La disillusione per le battaglie politiche, il fatalismo per il disastro della scuola e dell’università, l’incredulità per qualsiasi parola spacciata per “verità”, l’annoiata indifferenza per le molteplici apparizioni del “nuovo”… Queste sono le premesse che accompagnano una riflessione profonda sulla percezione dell'arte e della realtà, un processo che, lungi dall'essere depressione o anedonia, può essere interpretato come una forma di auto-mitridizzazione. Di fronte a un’inondazione di stimoli esterni, il soggetto si “vaccina”, sviluppando anticorpi contro l’“estetizzazione pervasiva del reale” che ha caratterizzato la società italiana dagli anni ’80 in poi. L'ironia, la leggerezza, lo scetticismo diventano strumenti per rimanere immuni, senza sprofondare nel cinismo o nell'isolazionismo.
Questa competenza nell’individuare una qualità estetica in qualsiasi prodotto culturale, tuttavia, non si traduce più nella capacità di sentire cosa sia bello o brutto, né di essere veramente commossi o respinti. È in questo contesto di disincanto e di ricerca di un contatto autentico che si inserisce la figura di Alberto Burri e la sua opera, in particolare un'opera del 1957, "Senza Titolo".
L'Esperienza di Città di Castello: Un Contatto Necessario
Conoscere l'opera di Burri non è un'opzione casuale; richiede una decisione, un viaggio intenzionale a Città di Castello. Non si tratta di un’esperienza da catalogo, monografia o poster, ma di un’immersione diretta, un confronto necessario con la visione dell’artista. Non è prevista una versione semplificata per spettatori distratti. L'incontro con Burri richiede un impegno fisico, un viaggio che porta in una cittadina che, nonostante qualche tentativo di restyling, conserva un'anima feriale e quieta, quasi periferica. È in questo scenario, lontano dai clamori metropolitani, che Burri ha scelto di radicare il lavoro di una vita.
L'Arte come Professione e Resistenza
La riflessione sull'arte si intreccia inevitabilmente con quella sul lavoro culturale in Italia. La diffidenza verso entusiasmi e proposte prive di un riconoscimento economico tangibile diventa un punto fermo. Soldi, non come extra-bonus, ma come segno di professionalità e come garanzia del tempo e delle competenze necessarie per produrre un lavoro di qualità. Questo principio, apparentemente banale, viene messo in discussione di fronte a richieste di collaborazioni gratuite, anche da parte di istituzioni prestigiose come la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma.
Il rifiuto di un incarico di presentazione per una rivista dell’AMACI, pur motivato dalla mancanza di compenso e dalla consapevolezza dei propri limiti come critico d’arte, si trasforma in una discussione più ampia sulla professionalità e sulla confusione dei ruoli nella società contemporanea, un fenomeno paragonato al "contagio nefasto e invisibile del berlusconismo".
L'Impatto di "Senza Titolo" (1957)
È durante una visita alla Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea, in un contesto che inizialmente era di documentazione per un pezzo sindacale sulle politiche culturali, che avviene l'incontro folgorante con "Senza Titolo" di Burri. L'opera si presenta come un "agguato", un colpo in faccia improvviso e protervo. La plastica rossa sciolta, densa, con il suo cratere, la sua ferita immarginabile, va oltre la distrazione del tour, oltre il compito assegnato, toccando corde profonde, quasi a svelare la morbidezza e la noia della mattina stessa in cui si era cercato di essere netti sulle proprie posizioni.
Nei giorni successivi, il ritorno alla Galleria diventa un appuntamento fisso, una ricerca quasi ossessiva dell'opera di Burri, ignorando deliberatamente le altre sale e le altre opere. La domanda che emerge, quasi un’ossessione: "Non vi fa paura, quest’irreversibilità immobile del processo di combustione?"
Alberto Burri: vita e opere in 10 punti
Burri: Un Maestro della Materia e dell'Informale
Alberto Burri (1915-1995) è stato uno dei più significativi esponenti dell'Informale del secondo dopoguerra e uno dei massimi artisti materici a livello mondiale. La sua arte ha rinunciato alla nozione tradizionale di "bella pittura", abbandonando gli strumenti convenzionali del colore ad olio per adottare materiali poveri, caricandoli di valenze esistenziali. Il suo linguaggio espressivo ha contestato la levigata perfezione dell'universo meccanico.
Tornato in Italia dopo la guerra, Burri abbandonò la professione medica per dedicarsi all'arte, vista come forma di riscatto e "atto etico di resistenza e sopravvivenza". A partire dal 1948-49, il suo interesse si polarizzò sulla vitalità organica ed espressiva della materia, con l'utilizzo di catrame, smalti, sabbie applicati alle tele.
Nonostante oggi sia giudicato un maestro, agli esordi della sua ricerca dovette fronteggiare scetticismo e sarcasmo, cui rispondeva con il silenzio. Mentre gli anni Venti, Trenta e Quaranta avevano recuperato una nozione "tradizionale" di arte, i "sacchi" di Burri, i "tagli" di Fontana e la "merda d'artista" di Manzoni furono percepiti come provocazioni che allontanavano l'arte dalla sua rotta.
I "Sacchi" (1950-1952): La Tela come Elemento Pittorico
Tra il 1950 e il 1952, Burri iniziò a realizzare i suoi celebri "sacchi", cucendo vecchie pezze di tela di sacco di differenti grana e colore. In opere come "Sacco 5P" (1953), la tela di juta non è più un mero supporto, ma diventa essa stessa elemento pittorico. Pezzi di tela rattoppati, cuciti con una sostanziale simmetria, creano effetti cromatici, plastici e materici affidati alle diverse tonalità e spessori.
Questa ricerca richiama le opere di Fontana, che con i suoi tagli interrompeva la continuità della superficie. Tuttavia, mentre i tagli di Fontana sono "varchi", aperture, le lacerazioni di Burri sono "squarci", prodotti da un atto di forza e violenza.
Alcuni critici, come Giulio Carlo Argan, hanno privilegiato una lettura puramente formale, vedendo nei "sacchi" la "finzione di un quadro". Tuttavia, è impossibile non rimanere colpiti dalla sofferenza umana che questi brandelli di tela ricuciti, sdruciti, consunti sembrano evocare, ricordando i vestiti dei poveri o le logore tuniche dei mendicanti. Lara Vinca Masini li ha definiti voci delle sofferenze delle popolazioni provate dalle guerre.
I "Legni", le "Carte", i "Ferri" e le "Plastiche" Bruciate
Ai "sacchi" si aggiunsero in seguito i legni, le carte, i ferri e, soprattutto, le plastiche bruciate, come in "Rosso plastica" (1964). Le plastiche, "torturate" e ustionate dal fuoco, raccontano il male e la guerra con un'immediatezza che mancherebbe a qualsiasi riproduzione fedele. Questa tecnica, in retorica, è la "metonimia": mostrare una piccola parte per alludere al tutto.
I "Ferri", realizzati su lamiere appositamente create, segnano una svolta, esplorando il "concetto sublimato di forma". La loro durezza e monocromia (grigi, bruni, colori delle lamiere saldate e arrugginite) intensificano il valore umano con rigore.
Le combustioni di legno e plastica proseguono negli anni Sessanta. La plastica, utilizzata per i suoi effetti di trasparenza, si apre e si torce al contatto con il fuoco, creando effetti luministici e un panneggio quasi scolpito. La fiamma diventa un pennello imprevedibile, gestito con maestria da Burri.
I "Cretti" (dal 1973) e il "Grande Cretto" di Gibellina
A partire dal 1973, Burri sperimentò la tecnica dei "cretti", superfici bianche con crepe e fenditure fitte, ottenute con un impasto di bianco di zinco e colle viniliche. Negli anni Ottanta, questa tecnica fu applicata su scala territoriale con il "Grande Cretto" di Gibellina (1984-1989), un'opera ambientale nata sulle macerie del terremoto del 1968. Le macerie, compattate e tenute insieme da reti metalliche, furono ricoperte di cemento bianco liquido, creando un vasto, vuoto e spettrale spazio percorribile.
La Ricerca Materica di Burri: Un Percorso Autonomo
Nato a Città di Castello nel 1915, Burri si laureò in medicina e, dopo l'esperienza nei campi di concentramento in Texas, decise di dedicarsi alla pittura. Dagli esordi nel 1947 fino alle opere grafiche degli anni Ottanta, la pittura è rimasta il suo strumento espressivo.
Le opere degli anni Quaranta mostrano un'influenza della Scuola Romana, ma è dal decennio successivo che l'elemento informale diventa preponderante. La sua ricerca si è concentrata sulla potenza espressiva e pittorica della materia, esplorando ogni tipo di materiale: sacchi, cellotex, catrame, stoffe, ferro, legno, pietra pomice.
Pur aderendo al Gruppo Origine nel 1951, Burri ha sempre mantenuto una ricerca autonoma, focalizzata sulla materia e sul suo valore pittorico. Ha indagato, costruito e destrutturato, utilizzando gli oggetti per la loro qualità pittorica, rivendicando l'importanza del lavoro dell'artista. Le sue composizioni, caratterizzate da forma ed equilibrio, lo inseriscono pienamente nella storia dell'arte.
Burri non è un artista in rivolta contro la tradizione d'avanguardia; il suo impegno è nell'utilizzare la materia per affermarne il valore pittorico. La sua arte è stata interpretata in vari modi, dal collage al New Dada, dall'Informale all'Arte Povera, ma Burri ha sempre preso le distanze da questi movimenti.
La sua carriera inizia nel campo di detenzione di Herenford, in Texas, dove, impossibilitato a esercitare la medicina, inizia a dipingere opere figurative. Al suo ritorno in Italia, distrugge la maggior parte di queste tele, salvandone solo cinque.
Nel 1947, la sua prima mostra personale a Roma presenta dipinti figurativi con un uso del colore che ricorda la pittura di Emanuele Cavalli. Già nel 1948, una mostra successiva presenta dipinti astratti, segnando l'esordio delle "Muffe", dei "Neri" e dei "Catrami", realizzati con sostanze chimiche inedite concesse da un amico.
Il dipinto "SZ 1" (1949) inaugura la serie dei "Sacchi", dove il collage si fonde con la pittura, concependo il sacco non come materiale estrapolato dalla realtà, ma come realtà stessa del materiale. L'opera di Burri è stata letta come metafora della vita e della morte, del contrasto che genera lacerazioni e ferite. Tuttavia, lo stesso Burri ha negato una relazione diretta tra la sua esperienza di medico di guerra e la sua arte, affermando che non vi sono stati "flash back" di garze, sangue o ferite.
L'adesione al Gruppo Origine, nata da una solidità artistica comune, fu poco meditata da parte di Burri, che si discostò presto dal gruppo per proseguire la sua ricerca in solitudine. Dopo i "Sacchi", esplorò il legno, la carta, il ferro e la plastica, indagando le combustioni come processo artistico.
Le opere di Burri, pur essendo a volte provocatorie, hanno perso questa capacità di scioccare, rivelando ora la loro struttura esistenziale e il loro ordine interno. La sua arte, fondata sulla materia e sull'equilibrio tra forma e spazio, si colloca in una posizione unica e autonoma nel panorama artistico del Novecento.